西方雕塑的发展历史

之前深圳雕塑公司说过中国雕塑的历史，今天我们说下西方雕塑的历史。走在欧洲的街道上，你可以看到到处都是美丽的花园雕塑、宏伟的哥特式建筑和宏伟的纪念碑雕塑。这些艺术作品是人类文明花园中的奇花异草。回顾西方雕塑数千年的历史，许多激动人心的时代，壮丽的过去事件，战争，成功与失败，民族的骄傲，对一天的爱都清晰可见。当一切都成为过去的时候，这个时代的灵魂凝聚在雕塑的坚实思想中。中国雕塑与中国文化。

西方雕塑大致可分为史前雕塑、古典雕塑和现代雕塑三部分。

史前雕塑的演变反映了工厂史前人类文明的丰富过程，在这一时期没有明显的地域性别分离，标志着整个人类文明的探索开始，而不是某个民族的单一代表。

古典雕塑时期是各民族文明的构成时期。它反映了不同年龄和地区发生的文明差异。此时，雕塑逐渐将地域文明的特征与人类的共性区分开来，构成了不同的传统。不同地区和不同民族根据各自的传统继承，发展和发展。西方的这一时期主要是指从希腊古罗马文明的构成到19世纪末，现代雕塑的代表性停止。在中国，它主要指从殷商文明到“五四”新文明的运动。

在现代雕塑时代，雕塑艺术的方法呈现出多元化的态势，民族性和地域性的特征已不再显著。这一时期的雕塑具有艺术家自身特点的宣传性。区域性和民族性的艺术差异逐渐消除。现代雕塑主要指十九世纪末到现在。

神秘的史前雕塑

一件史前年代的艺术品展现在人们面前，就象越过了苍莽的时空，来自遥远的曩昔的使者，它们或许是质朴、粗糙的形体或许是破落的残片，然而却激起了人们无限的惊讶和关于茫茫远古的遐思。比较闻名的史前雕塑有两个维纳斯，一件是距今25000年前的威伦道夫的维纳斯，另一件是距今大约15000午前的维斯普格的维纳斯，这些滚圆丰满的妇人形象，表达出原始人对丰登的标志性渴望，也表明人是如何执意要留下自己的痕迹，要在现实的国际上打下自己的记号。

光辉的古典雕塑

西方雕塑的传统起源于古希腊罗马文明，但古希腊雕塑深受古埃及雕塑的影响，所以让我们首先回顾一下古埃及雕塑。公元前4000年左右，埃及雕塑突然兴盛起来，成为人类雕塑史上的第一个鼎盛时期。詹埃及雕塑造型准确，语言程式化，内涵恰当，神秘莫测。在古代，有许多不朽的雕塑，其中一些能让全人类为之骄傲，其中最具代表性的是吉萨狮身人面像，它高20米，长50米，面高5米。它和附近的金字塔构成了建筑的奥秘。它在形状上遵循“实在法”的程序，似乎是一个人面像，戴着国王的头巾，更接近法老的肖像。它反映了当时埃及雕塑的祭祀和宗教功能。和其他法老的肖像一样，它给人的印象是庄严、厚实的，就像一座极其坚固的山。

无论是狮身人面像，法老的肖像，还是其他古埃及雕塑，他们都是“实在法”法律的忠实追随者。通过它们，我们可以感受到古埃及雕塑的审美野心。正在寻求“永恒”。古希腊雕塑的审美野心是寻求“真正的美丽”。希腊雕塑家发明了越来越多的艺术家的灵性和才能，使雕塑作品以一种新的，生动的方式，从飞机到崎岖不平。完美的情况。因此，我们留下了现实雕塑的模型，如“铁饼运动员”和“米洛维纳斯”。古希腊雕塑的发展大致可分为三个阶段：古代时期，古典时期和希腊化时期。在“旧时代”期间，希腊鹰正处于“摸索”阶段。它利用埃及雕塑的“实在法”规则来创作肖像，构成了“古老”的节目。这一时期的雕像大多是古老而僵硬的，也是雕像的重心。总是落在双脚之间。

当一群公元前5世纪制作的年轻裸体雕像被发现时，人们看到旧程序被打破，身体的重心落在一只脚上。整个身体放松，显得自然而真实。因此，这组年轻裸体雕像的出现标志着希腊雕塑进入“古典时期”。 “古典时期”是希腊雕刻的鼎盛时期。在这个时候，希腊雕塑正在寻求“真正的完美”，寻求客观和真实美的情况已达到顶峰。在文明史上，从亚历山大远征的探险开始到埃及托勒密的排泄到罗马帝国的时期通常被称为“希腊时期”。 “希腊化时期”的流派丰富而慷慨，所呈现的领域也非常广泛。从某种意义上说，它构成了一种文明的扩张，其影响力覆盖了整个欧洲，并成为整个西方艺术的基石。美丽文明的现实是西方文明审视和客观性的真正开端。希腊雕塑发明了一种美丽的感应，人体本身就充满了赞美，这可以从这一时期的许多裸体雕塑中汲取。相反，倡导裸体的习俗也给工厂提供了一个发挥雕塑和演讲角色的现实机会。

罗马帝国征服希腊后，西方文明和艺术中心从希腊转移到早期意大利的城市。虽然罗马人征服了希腊的领土，但他们是文明中被征服的人。许多罗马人复制和研究希腊雕塑。今天遗留下来的一些古希腊雕塑是对罗马时期的仿制品。罗马雕塑遵循希腊雕塑的传统，追求“真正的美”，但它比希腊雕塑更世俗。在罗马时期，许多军人或政治家要求雕刻家为他们制作肖像，甚至罗马人也经常用雕塑来保存死者的形象。这条客观现实的道路是向前迈出的坚实一步。罗马雕塑的成就主要体现在肖像雕塑和纪念碑雕塑上。这些肖像雕塑不仅外形相似，而且反映了人物的个性特征。更著名的是奥古斯都和卡拉卡拉。此时，纪念雕塑的雄伟和庄严取代了过去工厂的优雅。

随着公元5世纪西罗马帝国的灭亡，它开始了后人所说的黑暗的中世纪。它是在15世纪意大利文艺复兴的黎明之前完成的。中世纪的到来标志着西方进入基督教时代。在这一时期，宗教对雕塑产生了深远的影响，墓监的禁欲主义思想影响了雕塑家的创作思想。当时的大多数雕塑作品都有浓厚的禁欲主义色彩，艺术中所体现的宗教能量在中世纪趋于达到顶。在墓监的培育下，哥特式艺术取得了辉煌的成果，哥特式艺术成为了完全赞美上帝的光荣文明信仰的反映。在早期，这座山的模型是巴黎圣母院和沙特尔大教堂。也许正是因为中世纪雕塑长期受到束缚和压制，才会产生十五世纪艺术复兴的特殊爆炸力量。

从十四世纪起，在意大利，文艺复兴是由于人类自身价值的确定和世界的发现而产生的。在这一时期，艺术家视人为自己的审美符号和对象。在十五世纪上半叶到十六世纪上半叶，这种思想得到了贯彻和传达，彻底改变了欧洲的面貌。此时许多雕刻家相继出现。例如，多纳泰罗、米开朗基罗、博洛尼亚等等，文艺复兴时期的雕塑都是完美的。

技巧，雄伟的气势和深刻的思考标志着希腊和罗马未来欧洲雕塑史上的第二个高峰。米开朗基罗是文艺复兴时期最重要的雕塑家。他创作的许多艺术作品构成了这一时期最经典的范例。 19世纪伟大的雕塑家罗丹曾经得出结论：“雕像由四面组成，米开朗基罗雕像由两面组成。”米开朗基罗作品形式的变化并不微妙。它是凶悍和扭曲的。在创作中，米开朗基罗强调“应该用眼睛而不是用手来衡量，因为只会制造双手，并且会对眼睛进行评判。”米开朗基罗的着作揭示了强烈的人文色彩，特别是在他后期。使用激烈的对比风格来表达他们的不满正变得越来越明显。从1520年到16世纪末，有一种风格。在此期间，艺术家缺乏特色，缺乏发明性。

他们创造了一个完整的雕塑范例，模仿了前辈的风格，使其成为文艺复兴时期的辉煌时期。随后的下降阶段。后来罗马展示了巴洛克艺术，巴洛克艺术在十六和十七世纪后期在欧洲蓬勃发展。它在绘画和建筑之后形成了一种趋势，并促进了欧洲文明的发展。在这个时候，最重要的雕塑家是贝尼尼，他被称为“巴洛克时期的米开朗基罗”，具有近乎现实的技巧。伯尼尼的着作中用来表达热情或宗教疯狂的人类语言越来越动荡，“音量”的扭曲，夸张的表情，粗犷的形式和流畅的线条使它成为一个宏伟的宫廷雕塑。纪念碑的戏剧性作用和动力带来了浓厚的艺术魅力。比较文艺复兴时期的雕塑与巴洛克时期，雕塑不那么庄严，庄严和险恶。它进入了人们的日子，变得更加世俗化。与十七世纪的巴洛克风格同时，还进行了法国古典雕塑。这种风格追求严谨，庄严的和谐和直线，这与巴洛克曲线为基础的方法完全相反。

十八世纪，洛可可艺术首次在法国宫廷展出。这种艺术方法从1720年到1760年得到了丰富的发展。它是在巴洛克风格的背景下自然演变而来的，自觉地脱离了巴洛克风格。洛可可风格的雕塑在气势上不如巴洛克时期那么有力。它追求精致的艺术功能。洛可可雕刻家的代表人物是法尔科内和克洛迪翁。十八世纪中叶，新古典主义艺术在罗马得到发展，并迅速扩展到欧洲其他地区。这一运动旨在将绝对美理论转变为一种美学野心，以对抗洛可可的肉欲倾向和繁琐的方法。新古典主义雕塑从1790年到1840年很流行。它的代表包括意大利的卡诺瓦、丹麦的托尔瓦森和法国的乌东。其中，武当在人物雕塑方面有着深厚的修养。他著名的作品是伏尔泰。

十九世纪，巴黎取代罗马成为欧洲文明艺术中心。随着资本主义的繁荣，雕塑艺术的发展也开始多样化，呈现出许多流派和学说。除了上个世纪存在的新古典主义之外，浪漫主义和现实主义也被穿插在其中。

浪漫主义在18世纪出现在欧洲，在20世纪50年代逐渐衰落。浪漫主义运动宣称，丁汉的人物和特征优先于所有的位置。它以强烈的感情和想象力回答了冷漠的理性王国，体现了对新古典主义的叛国罪。这标志着艺术与过去的所有思想之间的完全突破。浪漫主义雕塑的代表鲁德是法国著名马赛雕塑的作者，在巴黎的凯旋门。他运用了象征性的方法，当它体现为一个为正义而战的公民时，使雕塑充满了热情。大卫•安格尔斯和巴地斯特•卡尔波也是浪漫主义的代表人物。

大约在20世纪50年代，法国现实主义运动诞生了。现实主义的目的是在一些严格的规则下反对美术学院的艺术。该运动试图使艺术接近现实生活。找到想法达到艺术野心。在现实主义雕塑家中，罗丹的成绩是最高的。在西方雕塑史上，他被认为是米开朗基罗之后的大师。与他一起，他还在雕塑史上发挥了作用。他把辉煌雕塑的帷幕带到了现场。现代雕塑的大门。从罗丹开始，基于客观和真实美的尊重的艺术方法的坟墓，自古希腊以来一直广播，达到顶峰，后来西方艺术家转向寻求书中表达的灵魂的现实。让我们看看罗丹的人体并不像它在移动时那么逼真，但是通过一个坚固的雕塑，有一种向外扩展的生命力，但那些似乎颤抖的东西，激起了我们灵魂的煽动。罗丹的创作和艺术思维对后世雕塑产生了深远的影响。他的杰作包括“思想家”，“吻”，“巴尔扎克”等。

多元化的现代雕塑

进入20世纪以来，西方雕塑发生了很大的变化。一方面，希腊和罗马的现实主义雕塑传统仍在延续。例如，东欧的一些雕刻家主要用现实的方法来创作。另一方面，实验艺术已成为工厂学校艺术的主流。事实上，西方现代雕塑的鼓起是非常有趣的。当时，雕刻家们没有新的想法，一群画家率先尝试探索现代雕塑，其中罗索的蜡质创作超越了传统雕塑的局限性；马蒂斯对线条节奏的强调与传统的体积概念背道而驰。有伟大的启迪。

立体主义的出现揭开了雕塑史上现代部分的新篇章。 1909年，毕加索的书“女人的头”是一个重要的象征。立体主义基于几何形式的构成在雕塑语言中建立了逻辑。此时的雕塑不再是视觉表现的忠实记录，它与传统的雕塑概念有着决定性的突破。立体派雕塑家包括毕加索，，劳伦斯，查德金等。他们对立体主义雕塑的探索有其自身的特点。

未来主义学说侧重于权力的力量。雕塑家的代表是波乔尼。俄罗斯象征主义以轻、薄、透明的信息围绕和界定空间，以透气的框架为情境，彻底违背了以群众为根的传统雕塑观念，提出雕塑是空间艺术的关键。它代表了一个雕刻家，皮维斯，塔林，莫霍利等等。他们积极利用新的信息，探索空间、时间和运动的象征意义。

达达主义的杜桑把小便器作为艺术品展出，是对传统含义—卜的伦理、道德、美学提出的新的应战。它着重的是一种精力状态。包含施威特的“默兹结构”都说明了这一点。达达的美学思维广泛影响了今后的现代派艺术。

超现实主义受达达主义的影响，非常重视身体在器官和潜意识中的体现，寻求艺术的非理性和偶然作用。它的代表雕刻家是恩斯特，亨利摩尔和考尔德。

二战后的现代西方雕塑体现了焦虑、恐怖、失望和孤独。这类作品的突出特点是丑陋和恐怖感，如贾氏。科梅蒂、李修、包洛奇等人。

20世纪50年代，“新达达”、“动员艺术”、“废雕塑”、“流行艺术”和“超级写实艺术”都受到达达主义的影响，如纳威、塞萨尔、西格尔、汉森、欧登堡等艺术家的作品都有着密切的关系。通过各种方法动员现成的物品，从一开始就处理工业废物，归纳和使用新的数据，甚至由活着的人建立模型。他们对工业文明、批评和某些混乱表示怀疑和赞同。

雕塑和活动雕塑的一般构成在战后进入户外，成为人体尺度的纪念艺术，包括固定雕塑，活动雕塑和极简艺术。这方面的代表艺术家包括考尔德，史密斯和卡罗。在雕塑中使用光因子进一步与战后新技术能量的概念相结合。例如，蔡文英和谢弗使用电子照明，激光和其他手段来扩展虚拟图像的体积，反射和幻觉的光雕。光学设备等成就。

身体艺术和行为艺术是受达达主义影响的另一种发展。他们通过身体绘画、局部纹身、身体切割和身体运动等刺激手段表达自己的想法。他们以身体为独立的表现材料，如谢德清、克里斯托弗等。

从希腊时期的辉煌到现代主义雕塑的繁荣，西方雕塑具有史前的特点和文明的内涵。它是其文明特性的逻辑发展。从视觉艺术的角度来看，我们是否可以进行讨论。

首先，古希腊雕塑受到古埃及雕塑的影响，从成文法到坚持身体平衡的敌对方法标准，所以从技术的角度来看，人体雕塑从僵化的造型发展到了像铁饼投掷这样的生活雕塑。这一技术产生的核心原因是“模仿论”美学思想的明确界定，这两种思想影响了西方雕塑的古典时期。

“模仿”就像一面镜子，它反映了视觉的现实。因此，艺术家有必要讨论雕刻现实，材料，人体结构，运动规则等一系列技术问题。然而，艺术家是一个人，一个文明的人。他不能像镜子一样被动地反映国际。在雕塑的过程中，艺术家的感受和审美观念自然融入到作品中。因此，同一个人体雕塑可以反映艺术家本身的感受和审美情趣。它也有不同的年龄变化。文艺复兴时期米开朗基罗的两个“面孔”理解了人类的雕塑，并表达了对山脉的强烈人文关怀。在19世纪末，罗丹使用人体雕塑语言将其融入世界。他的雕像和每一块肌肉的动态都表现出一种思考和感受。曾经有人说“思想家”正在考虑全身的每一块肌肉。

“模仿理论”——这种以再现视觉现实为目的的美学思想，已达到罗丹发展的顶峰。20世纪，由于非洲雕塑、东方艺术和其他民族文明的影响，仿照镜发生了变化。欧美雕塑家更关注心灵、哲学和文明美学的现实。由此可见，古希腊以来，再现视觉现实的“模仿”美学概念，已成为反映现代雕塑精神状态的美学概念。所以我们可以理解和欣赏现代雕塑。艺术家注重不同的审美观念和审美风格。西方雕塑的这种现象有其史前内涵的逻辑确定性。